Op een late decembermiddag in de wijk Ridgewood in Queens leidt Loie Hollowell me haar smetteloze studio binnen en stelt me ​​voor aan haar tabby, Felix. Het is nog maar een paar dagen Kerstmis en Hollowell bereidt zich voor op haar present ‘In Transition’, in de Jessica Silverman Gallery in San Francisco, die start januari wordt geopend, snel gevolgd door de verwachte tentoonstelling “Loie Hollowell: House Between, een overzicht van tien jaar” in het Aldrich Modern Artwork Museum in Connecticut, te zien van 21 januari tot 11 augustus. “Ik voel me zo bevoorrecht dat ik op mijn leeftijd een tienjarig onderzoek magazine doen, maar ik voel me er wel een beetje zelfbewust over”, aldus de 40 -jarige kunstenaar geeft toe. “Mijn idolen zijn mensen als Judy Chicago, die tientallen jaren heeft gevochten om aandacht voor hen te krijgen.”

Het traject van Hollowell is aanzienlijk sneller geweest. Ze was de oudste van vier en groeide op in Noord-Californië. Haar vader, David Hollowell, is een gepensioneerde kunstprofessor en schilder aan UC Davis, die onderwerpen weergeeft in fotorealistisch pointillisme; haar moeder, Terry Hollowell, is een Burner, die gespecialiseerd is in het maken van kleding die eruit springt onder black gentle bij Burning Man. Hollowell verhuisde naar Santa Barbara voor haar bachelorstudie, ging vervolgens naar de Virginia Commonwealth College in Richmond voor haar MFA en vestigde zich na haar afstuderen in 2012 in New York Metropolis. Haar doorbraakmoment, een negendelige soloshow in Brooklyn, kwam slechts drie jaar later. met een New York Keer recensie waarin werd verkondigd: “De volgende keer dat je de schilderijen van Loie Hollowell ziet, zal het waarschijnlijk niet in een kleine, door kunstenaars gerunde galerij in iemands appartement zijn die alleen op zondag of op afspraak geopend is, zoals bij deze tentoonstelling het geval is.” In 2017 werd ze vertegenwoordigd door megagalerij Tempo. Tegenwoordig heeft ze een veilingrecord van $ 2,2 miljoen, en haar werk bevindt zich in permanente collecties zoals het Hirshhorn Museum en Beeldentuin en Stedelijk Museum Amsterdam.

Gevierd om haar grote, abstracte, symmetrische schilderijen die soms sculpturale reliëfs bevatten, gebruikt Hollowell een kloppend palet van rood, blauw, roze en paars dat zowel licht reflecteert als schaduwen werpt op haar driedimensionale oppervlakken. Geïnspireerd door de symbolische betekenis van heilige geometrie en neo-tantrische kunstenaars uit het midden van de eeuw, zoals de Kashmiri-schilder-dichter GR Santosh, en licht- en ruimtekunstenaars als Robert Irwin, stralen de doeken van Hollowell een spirituele gloed uit. “Voor mij is de missie, als ik zou zeggen dat ik er een heb, het creëren van visueel stimulerend werk dat je meesleept en je in verwarring brengt”, zegt ze. “Ik wil dat mensen die het onderwerp niet per se rechtstreeks kunnen benaderen, verleid worden om zich ermee bezig te houden.”

Het onderwerp waarnaar zij verwijst zijn de primaire veranderingen die vrouwelijke lichamen ondergaan tijdens de verschillende stadia van de zwangerschap, van conceptie tot borstvoeding en postpartum. Voor Hollowell creëren een reeks vormen die lichaamsdelen nabootsen een symbolische taal die door haar praktijk loopt: een amandelachtige Mandorla, populair in Christusbeelden, vertegenwoordigt de vulva; een S-achtig profiel Ogee-curve uit de gotische architectuur toont borsten; bolvormige reliëfs, opgebouwd uit schuim met een hoge dichtheid, zijn verwachtingsvolle buiken. Haar doeken belichten het diep persoonlijke terrein van haar eigen transformatie toen ze haar twee kinderen, Linden, in 2018, en Juniper, in 2020 ter wereld bracht – een ervaring waarvan ze zegt dat ze haar zowel vol ontzag als uitgeput achterliet. Maar ze resoneren ook met feministische ideeën over seksualiteit en moederschap.

De nieuwe serie van Hollowell, te zien bij Jessica Silverman, concentreert zich op het stadium van de bevalling waarin de baarmoederhals zich verwijdt van één tot tien centimeter en bij elk schilderij ongeveer een derde van een inch uitzet. De werken volgen elkaar op en hebben allemaal een sculpturale buik. Golven van kleur pulseren vanuit het midden van de compositie, wat de kunstenaar vergelijkt met ‘sonische klank of straling of het bijten in een appel’. Een gesponste fuchsiarode of roze cirkel wordt groter naarmate de uitzetting vordert. “Het stukje van één centimeter is geel voor de buikkleur, omdat je zonnig en optimistisch en vol licht begint. Je hebt veel energie”, legt Hollowell uit, die oliepigmenten selecteert om een ​​emotioneel second over te brengen. “Ik heb een waterbevalling gehad bij mijn tweede type, dus ben ik na verloop van tijd overgestapt naar het geboortebad, en dan ben je gewoon zwaar en belast en heb je diepe, diepe pijn. Dus de schilderijen doorlopen het kleurenspectrum, bewegen richting rood en eindigen bij paars en blauw met de buikkleur.”

Zes kleinere stukken uit 2023 die in de Aldrich te zien zullen zijn, 23.00 uur, 1.00 uur, 3.00 uur, 5.00 uur, 7.00 uur, 9.00 uur, is een reeks subliem minimale werken met geleidelijke toonvariaties die nacht tot zonsopgang oproepen. Ze worden uit de borsten van zwangere vrienden gegoten. “In deze serie wilde ik de tepels praktisch maar ook mooi maken. Een deel van het proces waarbij de gegoten lichaamsdelen in de schilderijen worden gebracht, is het besef hoeveel cultureel oordeel we op de tepels en de vrouwenborsten in het bijzonder leggen”, zegt Hollowell. “Ik begon hiermee omdat ik de spectrumschilderijen van Ellsworth Kelly opnieuw wilde interpreteren, maar ze volledig wilde vervrouwelijken en moederiseren.”

Hoezeer Hollowell ook de levenskracht van de anatomie van een moeder en de mystiek van de geboorte viert, het vrouwelijk lichaam is ook een strijdtoneel. In de zomer van 2013 onderging de kunstenaar een abortus, en daarmee een keerpunt weg van de figuratie. “Ik besefte dat er iets was aan de ervaring dat ik probeerde te visualiseren”, zegt ze. Het eerste grafietwerk waarmee het onderzoek van Aldrich van begin gaat, Gelukkige Vagina, legt de emotionele nasleep van haar abortus huge in een trippy abstractie. “Die ervaring was zo pijnlijk, maar ik beschouwde het ook als het bevrijden van mijn baarmoeder”, zegt ze. Smaragdgroene Bergdie twee maanden later werd gemaakt Gelukkige Vagina, geeft haar gevoel van emotionele vrijheid weer door te verwijzen naar de Smaragdgroene Stad van de Tovenaar van Oz, en het gevoel van hoop dat het van verre inspireert. “Hoe gebruik ik de ervaring van mijn eigen bevrijding en de ultieme feministische kunstenaarstaal? Alles sindsdien is een portret geweest van de binnenkant van mijn lichaam en geest – en van de manier waarop de ervaring in mezelf de wereld in straalt.”